Alejandro Casona español 1903-1965.Estudió arte escénico en Madrid.

Obtiene el Premio  Lope  de Vega con su creación: La sirena varada y el Premio Nacional de la Literatura por el cuento infantil: Flor de leyendas.

Contribuye  con su humor y lirismo a la  renovación  del teatro español del la primera mitad del  siglo XX.

Dirige el Teatro del pueblo y el teatro ambulante en Madrid.

Sus obras más conocidas  son: Nuestra Natacha, Prohibido suicidarse en primavera, La dama del alba, Corona de amor y muerte y  Los árboles mueren de pie entre otros.
Prohibido suicidarse en primavera  y Los árboles mueren de pie se encuentran online en: http://www.librosonline.org/

La obra de Giorgio de Chirico

 

Giorgio de Chirico (Volos, Grecia; 10 de julio de 1888 – Roma; 20 de noviembre de 1978) pintor italiano nacido en Grecia de padres italianos. De Chirico es reconocido entre otras cosas por haber fundado el movimiento artístico scuola metafisica.

La pintura metafísica de Giorgio de Chirico es considerada una de los mayores antecedentes del movimiento surrealista. En su estancia en Alemania tomó influencias de autores simbolistas y la filosofía de Nietzsche. Ya en París (1911) comienza a realizar obras de imágenes muy sorprendentes, basadas en la representación de espacios urbanos, en los que predominan los elementos arquitectónicos y la proyección de sombras y en las que la presencia humana suele estar ausente. Además de esta regla arquitectónica también hay representaciones de interiores, generalmente abiertos al exterior, donde suele situar maniquíes y en algunas ocasiones otras obras (la representación de otras obras dentro de la propia obra, que es una característica propia del surrealismo, está ya presente en el autor). Así logra crear en sus obras un espacio extraño, atemporal, donde parece que se pude encontrar la calma y el silencio. Las imágenes representadas en el espacio pictórico son sacadas de contexto y representadas con un tamaño antinatural y desproporcionado. Estas obras, que cuentan con numerosos errores técnicos, tienen como finalidad crear espacios sugerentes en los que el receptor contrubuya a crear el sentido definitivo de lo que se representa. Tras su obra Piazza souvenir de Italia (1925), pese a seguir conservando parte de su estilo, su obra experimenta un cambio hacia un carácter más convencional, ya que en un contexto de posguerra (I Guerra Mundial) la llamada "vuelta al orden" lleva a los artistas a volver a adoptar un carácter realista. El detallismo de la obra es llevado cada vez más lejos de la metafísica, por lo que se encuentra con la crítica de numerosos artistas surrealistas que se sienten decepcionados por él.

Fuente: Wikipedia

 

La obra de Salvador Dalí

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí y de Púbol (Figueres, 11 de mayo de 1904 - 23 de enero de 1989), fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que "vampirizó" innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es "La persistencia de la memoria", el famoso cuadro de los "relojes blandos", realizado en 1931.

Fuente: Wikipedia

"Cisnes que se reflejan como elefantes" (1937)

"Rostro de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista" (1934-35)

"La persistencia de la memoria" (1931)

Cristo de San Juan de la Cruz (pintura)

La obra según su autor
Salvador Dalí

La posición de Cristo ha provocado una de las primeras objeciones respecto a esta pintura. Desde el punto de vista religioso, esa objeción no está fundada, pues mi cuadro fue inspirado por los dibujos en los que el mismo San Juan de la Cruz representó la Crucifixión. En mi opinión ese cuadro debió ser ejecutado como consecuencia de un estado de éxtasis. La primera vez que vi ese dibujo me impresionó de tal manera que más tarde, en California, vi en sueños al Cristo en la misma posición pero en paisaje de Port Lligat y oí voces que me de decían: "¡Dalí tienes que pintar ese Cristo!".

Y comencé a pintarlo al día siguiente. Hasta el momento en que comencé con la composición, tenía la intención de incluir todos los atributos de la crucifixión –clavos, corona de espinas, etc.- y de transformar la sangre en claveles rojos sujetos en las manos y los pies, con tres flores de jazmín sobresaliendo de la herida del costado. Las flores hubieran sido realizadas a la manera ascética de Zurbarán. Pero justo antes de finalizar mi cuadro, un segundo sueño modificó todo esto, tal vez a causa de un proverbio español que dice: A mal Cristo, demasiada sangre.

En ese segundo sueño, vi el cuadro sin los atributos anecdóticos: sólo la belleza metafísica del Cristo-Dios. También había tenido al principio la intención de tomar como modelos para el fondo a los pescadores de Port Lligat, pero en ese sueño, en lugar de ellos, aparecía en un bote un campesino francés pintado por Le Nain, del cual sólo el rostro había modificado a semejanza de un pescador de Port Lligat. Sin embargo, visto de espadas, el pescador tenía una silueta velazqueña. Mi ambición estética en ese cuadro era la contraria a la de todos los Cristos pintados por la mayoría de los pintores modernos, que lo interpretaron en el sentido expresionista y contorsionista, provocando la emoción por medio de la fealdad. Mi principal preocupación era pintar a un Cristo bello como el mismo Dios que él encarna.

Fuente: Wikipedia.

Los celtas

Entre el arte y el culto ritual

Si la producción artística refleja de alguna manera las características de la sociedad, habría que convenir que la de los celtas brindó especial atención a las pautas de diferenciación social. En una sociedad tan altamente jerarquizada, las joyas cumplieron un singular rol de distinción. Entre los numerosos objetos de decoración personal que utilizaron, destacan los torques, un modelo de collar que sólo utilizaban los miembros de las clases dirigentes. Creían que los torques tenían cualidades mágicas y a veces iban al combate desnudos, armas en mano, sólo exhibiendo sus collares. Los torques eran de oro, aunque también de hierro y bronce. El detalle decorativo más importante estaba en sus extremos, coronados con alguna figura, como cabezas de león o garras.

Entre las clases populares, era habitual la fíbula, un broche que servía para sujetar las prendas de hombres y mujeres. También la fíbulas estaban decoradas , y según las incrustaciones en pedrería que tenían señalaban la pertenencia social de su portador.

Los celtas confeccionaron otros objetos para la decoración personal, como collares, brazaletes, hebillas, amuletos y pendientes. Peines y espejos de bronce completaban el ajuar.

La ornamentación de objetos de metal se extendió también a las armas, en especial en las empuñaduras de las epadas, cuchillos y escudos. Como la cosmovisión celta implicaba la aceptación de mundos más allá de la vida terrenal, confeccionaron armas para rituales religiosos,
en honor a alguna de sus divinidades, o para ser enterradas junto al guerrero caído en batalla.

Era común la empuñadura de oro con incrustaciones de piedras y marfil. En cascos y escudos destacan figuras geométricas, con círculos y líneas curvadas.

 Fuente: Última Hora, Grandes civilizaciones de la historia, Editorial Sol 90, Barcelona, España, 2008.

Proceso de construcción de la escenografía

El teatro es fundamentalmente un trabajo en equipo. Ese equipo está integrado por el autor (representado por el texto), el director, los actores, el escenógrafo y, según los casos, por un asistente, un iluminador, varios técnicos, vestuaristas, etc.

La idea de equipo supone que todos trabajan para lograr un proyecto en común. Por esta razón, la escenografía se construye integrando las diferentes opiniones propuestas del grupo.

El escenógrafo, después de leer el texto, comienza a trabajar con el director y los actores, tratando de detectar todas las necesidades espaciales. También, es posible que el director tenga una idea previa de lo que se requiere y sobre eso comienza a trabajar el escenógrafo. Otras veces, después de una segunda lectura, el escenógrafo propone el espacio que el texto le sugiere. En otros casos el autor es parte del equipo, entonces puede colaborar dando sus opiniones.

De cualquier manera, es importante dejar en claro que no hay una única manera de concebir la escenografía de una obra teatral. Estas diferentes maneras dependen de lo que se quiera expresar con la obra. Así como dos personas no cuentan un cuento de la misma manera, cada director contará la obra según su visión personal y le otorgará a la escenografía otras características.

Igual que en un cuadro o en una escultura, en la escenografía los colores, las formas y el espacio están expresando, simbolizando o comunicando cosas. Así, lo que expresa la escenografía se complementa con lo que se dice y se hace en la obra.

Fuente: Plástica en Red 7 8 9, Ema Brandt, Patricia Berdichevsky, Laura Bianchi, Mariana Spravkin, A-Z editora, Buenos Aires, Argentina, enero de 2006

La escenografía II

Muchas veces se usa la palabra decorado como sinónimo de escenografía. Sin embargo, responden a diferentes concepciones del hecho teatral. El decorado es un telón de fondo, es una imagen bidimensional cuyo fin es ayudar al espectador a situarse en un lugar y una época determinados donde se desarrollan los hechos. Los actores no lo usan: es un elemento decorativo, ilustrativo.

La escenografía, en cambio es parte activa del espectáculo y sólo existe en tanto y en cuanto interactúe con los personajes. Agustín Lozano, director de teatro, dice: "Todo lo que suceda en el escenario tiene que justificarse dramáticamente. O sea, que todo lo que esté sobre el escenario y no se use distraerá la atención".

 Fuente: Plástica en Red 7 8 9, Ema Brandt, Patricia Berdichevsky, Laura Bianchi, Mariana Spravkin, A-Z editora, Buenos Aires, Argentina, enero de 2006.

 William Shaskepeare (1563-1616)

Poeta, dramaturgo y actor ingles.
Entre sus obras se destacan Romeo y Julieta, El sueño de una noche de verano El orgullo nacional, El afán y la riqueza, Conquista y dominio, La corrupción, Otelo y otros. 
Es considerado el escritor mas importante en lengua inglesa y uno 

de los mas grandes de la literatura universal.

Sus obras han sido traducidas en varias lenguas y sus obras dramáticas continúan representándose 

mundialmente


El libro que invitamos a leer es:  El rey lear.
 Para leer  on line recomendamos: 

 www.24symbols.com/book/espanol/voltaire/la-doncella-de-orleans?.

"ES MEJOR SER REY DE TU SILENCIO QUE ESCLAVO DE TUS PALABRAS"   W.S.

Rosaura a la diez.

¿Qué tal la obra ? ¿La están leyendo?

Rosaura a la diez fue de gran reconocimiento público para Denevi. Esta obra se tradujo en varios idiomas y se hicieron representaciones en cine, tv, y teatro. 

Para los que se les dificultó acceder a ella nos pareció muy útil recomendar esta página para leer esta obra online:

http://fhuhs.org/departments/spanish/4-5…

También la película en: 

http://www.youtube.com/user/FRANHASEN#p/…

El arte como expresión cultural

El arte ha estado presente siempre que el hombre ha querido manifestar a los otros sus necesidades, sus  sentimientos, sus creencias, sus convicciones. 

Es así como aparecen, desde la prehistoria hasta hoy, pintura, escultura, arquitectura, música, danza, reflexiones, dando cuenta de los distintos momentos culturales atravesados por el ser humano y de las diversas valoraciones que él ha hecho de sí mismo, del entorno y de Dios.

Cúpula del Teatro Colón / Cómo ver la obra

Uno de los edificios más emblemáticos de la Argentina es, sin ninguna duda, el Teatro Colón, inaugurado el 25 de mayo de 1908. 

La cúpula está realizada en 16 telas que fueron pintadas y luego pegadas por el artista plástico Raúl Soldi. Para lograrlo, se tuvo que armar un gran andamio, de 30 metros de altura. Durante semanas se fueron pegando y retocando las telas.

La cúpula fue presentada el 25 de mayo de 1966. Se presentó un ballet en el que el vestuario y los personajes eran los mismos de la cúpula. En razón de la perspectiva, las 51 figuras que se encuentran plasmadas en la cúpula tienen diferentes medidas. La más chica mide 1,20 m y la más grande, 3,5 m.

Allí pueden verse representados los instrumentos musicales, un conjunto de músicos ejecutando sus propios instrumentos y un grupo de actores intercambiando máscaras representativas de la comedia y el drama.

El gran mérito del genial y querido Soldi es haber realizado un trabajo que logra integrarse perfectamente en el teatro que lo cobija. 

Datos útiles

• Año: 1966

• Técnica: óleo sobre tela

• Medidas: 21 metros de diámetro

Dónde encontrarlo: Teatro Colón, Cerrito 618. Bs As. Argentina
 

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Revista

Domingo 13 de junio de 2004 | Publicado en edición impresa

ARTE PARA TODOS